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LLLLLL artist run space

Sonnenallee 26/3
1220 Wien

Notgalerie / LLLLLL artist run space

Über

↳ Der LLLLLL artist run space befindet sich seit Ende 2023 in der Seestadt und ist ein Ausstellungsraum für zeitgenössische KünstlerInnen, die sich mit Fragen des öffentlichen Raumes beschäftigen. Es ist der erste Kunstraum in Wien, der sich explizit diesem Thema verschreibt. KünstlerInnen haben so die Möglichkeit im größten Stadterweitungsgebiet Wiens, die präzisen Präsentationsmöglichkeiten, welche die moderne und nüchterne Raumstruktur des Ausstellungsraumes bietet zu nutzen.

Ausstellungen

→ 20.12.2025
Reflections on Water

Reflections on Water is a joint exhibition by Turning the Tide and the LLLLL artist-run space. Turning the Tide is a transdisciplinary program of the Wiener Bildungsakademie that connects artistic practice, ecological research and societal transformation. The LLLLL artist-run space contributes its curatorial expertise and its experimental platform for contemporary art. Together, the two partners create a space of dialogue in which water is explored as an ecological, political and cultural key theme.

Featuring new works by Hans Hofer, Daniel Böswirth, Illya Pavlov, Tanya Shtykalo, Maria Zisser, Jenny Marketou, Adrian Dorfmeister-Pölzer & Simeon Ohlsen, Karl Kilian and Bernd Herger, Reflections on Water unfolds a wide range of artistic perspectives. The contributions span from filmic narratives to multimedia installations, sculptural investigations and historical photographic documents. Collectively, they reveal how deeply the element of water is inscribed in our lived realities – as a resource, a narrative space, a threat, a repository of memory and a fragile foundation of our future.

Hans Hofer
With his new film contribution, Hans Hofer presents the artistic conclusion of his Turning-the-Tide project as part of the third Local Lab in Vienna. His work marks the final stage of a multi-layered process of artistic research and is a quiet yet deeply moving portrait of water, sustainability and the traces we, as humans, leave in our environment. At the center of the film stands Hofer’s father – a protagonist who speaks for an entire generation. Through this personal perspective, ecological questions are conveyed not in abstract terms but as profoundly human concerns. The relationship between father and son forms a narrative bridge between past, present and future: How did previous generations experience water? What responsibilities do we carry today? And what kind of world will we pass on?
The film blends poetic imagery with documentary moments, creating a space in which water, climate change and sustainability become emotionally tangible. Hofer shows water as a resource, a place of memory, a threat, a promise and an inheritance. With great sensitivity, he traces the interweaving of family histories and ecological realities. The result is a quiet, powerful film that illustrates how deeply the climate crisis permeates personal lives and how essential intergenerational dialogue is for sustainable change. As the conclusion of Local Lab III within Turning the Tide, Hofer’s work gathers the insights of the project and opens an emotional sphere that invites reflection on responsibility, connectedness and the value of water.

Daniel Böswirth
Seestadt–Beijing–Toronto: a poetic intervention in public space.
What began as a small analogue art project, LYRIK ON LINE, supported by Kultur Donaustadt on the outskirts of Vienna last year, quickly grew into a cross-border literary initiative. More than 200 writers participated, and the resulting anthology was presented at this year’s Frankfurt Book Fair, followed by an exhibition at the Main Library of Vienna.
Initiator Daniel Böswirth presents what has happened so far – and what might follow next.

Illya Pavlov

Dr. Illya Pavlov is an artist, scientist and design director. In 2006, together with Maria Norazian, he co-founded the design studio Grafprom, which received first prize at the international poster competition “ReImagining Europe” in 2024. Pavlov has been co-organiser and curator of the international poster triennial “The 4th Block” for over a decade. For “Reflections on Water”, he presents a multimedia installation whose state of matter changes throughout the exhibition, making processes of transformation, temporality and fluidity perceptible.

Tanya Shtykalo

Tanya Shtykalo has been working in the field of sculpture for over 20 years. Based on a classical training in ceramics, and particularly since relocating from Odesa to Vienna in 2022, she explores sculpture as a space of social interaction and as an expanded medium of contemporary artistic practice.

Maria Zisser

Maria Zisser († 2002) was an Austrian photographer who documented key industrial and economic projects in Austria for more than four decades. Since 2024, her extensive archive has been undergoing systematic review by her grandson, artist and curator Reinhold Zisser. Within “Reflections on Water”, a series of photographic negatives related to Austrian shipping is digitised and presented to the public for the first time as positive prints.

Adrian Dorfmeister-Pölzer & Simeon Ohlsen
Do You Relate? – Re-Performance
With Do You Relate?, Adrian Dorfmeister-Pölzer and Simeon Ohlsen restage their widely practiced performance in an expanded setting and in dialogue with the themes of Reflections on Water. The work examines forms of relation, resonance and in-between spaces – between people, between bodies, and between bodies and environment. Based on physical improvisation and ritualistic actions, the artists develop a situational choreography in which proximity, distance, synchrony and rupture become visible. The performance questions how we relate to one another, which patterns we reproduce and how fragile equilibria emerge or collapse. Water serves as a metaphorical element: a connecting force, a mirror, a carrier of emotion and memory. Do You Relate? is not a fixed work but a continuously shifting process. Each re-performance shifts meanings, opens new tensions and invites the audience to reconsider their own relational frameworks. In the context of Turning the Tide, the performance gains an additional layer: it reflects relationship-building as an ecological practice – one of attentiveness, listening and shared responsibility.

Jenny Marketou
Also presented is a video by Jenny Marketou about her work in Seestadt, In the Belly of a Garden. After 1.5 years directly by the water, the artwork has now moved for several years and can be viewed, visited and planted in the Sculptural Gallery on Sonnenallee. In a video message, Marketou reflects on the new location, the significance of the work and its continuing transformative processes.

Karl Kilian
In Nymphen mit Einhorn im Ölpestbade, Karl Kilian combines dark humor with apocalyptic undertones: using old Barbie dolls made from oil, he creates an image of global oil spill and climate crisis in which even myths and fairy tales are submerged. Referencing art history and theories such as the Chthulucene and the Capitalocene, Kilian recombines discarded materials into a forceful commentary on the consequences of fossil energy.

Bernd Herger
With his newly presented video installation, Bernd Herger explores the question: What is water – as a source of life, a political resource and a vulnerable ecosystem? Through quiet yet powerful images and sound structures, an immersive space emerges in which water becomes physically palpable and the audience is invited to reflect on responsibility and the fragile balance of our environment.

Reflections on Water
LLLLL Sonnenallee 26/3
Samstag 20. Dezember - 16:00 Uhr

→ 11.11. - 01.12.2025
Michael Laundry, Oedipus Water Dream

“About 3-years-ago, I became crippled by a rare rheumatological disease. It was the worst and best thing that ever happened to me. It stopped me from sculpting. But, I started sculpting in VR and researching hydrotherapy. I had to take pain killers to sleep through the night. Then I got into the habit of waking myself up before they had run their course, and sculpting in VR between five and six am attempting to find dream-forms that related to my research on water”

- Michael Laundry

Oedipus Water Dream is a sculptural installation by Michael Laundry exploring the material relationship between water, dreams and psychoanalysis. The exhibition is the outcome of two and half years of working with water and VR as solutions to being disabled by Bekhterev's disease (ankylosing spondylitis). Most of the works in the exhibition are the result of what the artist describes as a “crip dream routine”. Like Leonora Carrington’s surrealist practice, the subconscious is in dialogue with what Gaston Bachelard calls the "material imagination" or that which is rooted in substance, particularly water.

Laundry focuses primarily on stiacciato (low) and alto (high) reliefs. The sculptures are executed in a diverse range of materials: glass, wood, resin, sandstone, marble, and mezzatint. They have an apotropaic function important to Laundry’s eco-critical position on safeguarding water. Most of the sculptures in the exhibition float.

The artist considers two texts as departure points for an exploration of water, dreaming, and creation: Deleuze and Guattari’s Anti-Oedipus (1972) and Gaston Bachelard’s Water and Dreams (1942). Deleuze and Guattari argue traditional psychoanalysis - with its focus on the Oedipus complex - is essentially repressive. For Bachelard, water as an element in the "material imagination" is important to creative acts like poetry and painting. He suggests that by engaging the materiality of water artists might gain insights that a purely formal adoption of images based on fleeting shapes and emotions could not produce. Laundry’s exhibition at LLLLLL Artist-Run Gallery adopts Deleuze and Guattari’s critical position that the Freudian model has been used by society to control "flows" of desire, forcing it into an essentially repressive and heteronormative subjective structure rather than allowing it to be productive and socially queer. Oedipus Water Dream affirms both artistic and non-artistic practices that are generative rather than repressive.

The exhibition is part of laundry’s 8-year interdisciplinary research project “A History of Swimming” in the Blue Humanities interrogating urban waterscapes. In this iteration, the artist focuses on water imaginaries in Aspern - one of Europe's largest urban development projects. Part of the project looks at Vienna’s fast-growing 22nd district in the north-east of the city from a hydro-feminist position to imagine what a “high feel-good factor” (Wien 3420 AG) means for a vibrant material future where private enterprise meets the public demand for water recreation.

This is Laundry’s first major solo exhibition in Austria after establishing his practice at the intersection of visual arts, performance and the Blue Humanities. Laundry’s earlier hydrological research-based works have been selected by the Norwegian Institute of Marine Research’s “Effects of Climate Change on the World’s Ocean” ECCW (2023) conference, organized in collaboration with UNESCO’s Intergovernmental Oceanic Commission’s “Ocean Decade”. His research on public waterscapes has been presented at 10th EASLCE European Association for the Study of Literature, Culture and the Environment Symposium, Sea More Blue: Interdisciplinary Approaches to Blue Ecopoetics in Perpignan, France (2024).

BIO

Michael Laundry (NO/CA) is an interdisciplinary artist, writer and curator. His work examines urban waterscapes as a departure point to interrogate the confluence of: water, men and money - or, hydrological precarity, masculinity in crisis and neoliberalisation. Laundry choreographs immersive sculptural installations populated with literary characters, philosophers and family members. Laundry works primarily with stone, glass, and wood. Laundry holds an MA in Fine Art from the University of Gothenburg (Valand), and an MA in Comparative Literature from the Department of Linguistic, Literary and Aesthetic Studies from the University of Bergen.

Laundry has been shown in Bangkok, Berlin, Gothenburg, Copenhagen, Oslo, Bergen and Kristiansand by festivals and venues including: Bangkok Art and Culture Centre BACC, Neon Kunst Berlin, Galleri Palmera Bergen, Galleri Knipsu Bergen, KRAFT Bergen, Ravnedans Kristiansand, Alt_CPH Copenhagen, BOA Billedkunstnerne i Oslo og Akershus, and NSFW Gothenburg

www.michael-laundry.com, @thefudgepope

→ 10.10. - 06.11.2025
Das Lebenswerk der Fotografin Maria Zisser,
Wiederaufbau und Aufstieg der Industrie in Österreich

Das Lebenswerk der Fotografin Maria Zisser

Maria Zisser wurde 1914 in Wien geboren und absolvierte dort ihre Ausbildung zur Fotografin. 1940 erhielt sie ihren Meisterbrief im Fotografenhandwerk und war von diesem Zeitpunkt bis Ende der 1970er-Jahre vor allem als Industriefotografin tätig.

In dieser Zeit schuf sie ein fotografisches Gesamtwerk, das eine nahezu lückenlose Dokumentation der österreichischen Industrie und ihrer gesellschaftlichen, wirtschaftlichen und politischen Verflechtungen darstellt.

Ihr Werk begleitet den Wandel von der Zeit des Nationalsozialismus über den Wiederaufbau während des sogenannten „österreichischen Wirtschaftswunders“ bis hin zur Dokumentation prägender Bauwerke, die bis heute das Stadtbild Wiens und das Erscheinungsbild Österreichs prägen.

Neben seiner dokumentarischen Bedeutung zeigt ihr Nachlass das Lebenswerk einer Fotografin, welche ihr gesamtes Leben ihren Blick durch die Kamera gewidmet hat.

Die Ausstellung & Aufarbeitung 2025 begann der LLLLLL, Verein für Kunst der Gegenwart, mit der Aufarbeitung des umfassenden Nachlass-Archivs von Maria Zisser. Im Rahmen der Foto Wien wird im Ausstellungsraum □□□□□■ in der Seestadt erstmals ein Einblick in das Hauptwerk der Fotografin gegeben.

Weitere Informationen sowie Öffnungszeiten der Ausstellung siehe Website www.mariazisser.com

→ 16.09. - 03.10.2025
„Hast du diese Orte gesehen?“ /// „Have you seen these places?“

The exhibition „Have you seen these places?“ focuses on three different art in public space installations and their different approaches in encountering the public space of Seestadt.

The opening on September 16 directly connects to Jenny Marketou’s workshop, which activates her sculpture from 3 to 7 pm. All other positions also worked with their projects in the public space of Seestadt this summer. The exhibition offers both visitors and artists the opportunity to reflect on these public space works within the exhibition setting of the LLLLLL artist-run space.

In her work Inside the Belly of a Garden, Jenny Marketou stages public space as a collective social playground and, together with the residents, develops a place where the history, present, and future of Seestadt are reflected in a living process.

Roberta Lima‘s idea of Queer Way as a "queer flow" aims to transcribe their own experiences as a migrant and gender non-conformist to the public. Lima describes their sculptures as static objects which can be set in motion through body interaction.

In 2025 they invited Pêdra Costa and Mzamo Nondlwana who activated Queer Way with their performance ZIGZAG/||/TRUCK.

Mark Chehodaiev works with photography and given enviroment - its structures, its interiors, the way space is organized. For his work in Seestadt, he moved a studio setup — a white background with lighting equipment normally used for object photography — into an outdoor site of uncertain use, and created a series of staged photography.

→ 11.07. - 10.08.25
Maria Zisser Fotostudio - Archiv und Aufarbeitung / Phase I: 1940 bis 1945 / Abschnitt 1:
Der Leistungs-Wettstreit hat begonnen

Die kommende Präsentation von Fotografien von Maria Zisser ist die erste Ausstellung der Fotografin.

Maria Zisser, geborene Tretscher, wurde 1914 in Wien geboren und absolvierte dort ihre Ausbildung zur Fotografin. 1940 erhielt sie ihren Meisterbrief im Fotografenhandwerk und war von diesem Zeitpunkt bis Ende der 1970er-Jahre mit dem Arbeitsschwerpunkt als Industriefotografin tätig.

Sie schuf in dieser Zeit ein fotografisches Gesamtwerk, das eine nahezu lückenlose Dokumentation der österreichischen Industrie und ihrer gesellschaftlichen, wirtschaftlichen und politischen Verflechtungen abbildet. Es begleitet den Wandel von der Zeit des Nationalsozialismus zur Zweiten Republik, den Wiederaufbau während des sogenannten „österreichischen Wirtschaftswunders“, bis hin zur Dokumentation von Bauwerken wie dem Wohnpark Alterlaa, der UNO-City und vielen weiteren Architekturen, die bis heute das Erscheinungsbild des Landes und insbesondere der Stadt Wien prägen.

Neben seiner dokumentarischen Bedeutung ist Maria Zissers Werk auch ein Zeugnis für das Schaffen einer Fotografin in einer Zeit konservativ-patriarchaler Ordnung, deren strukturelle Dominanz im industriellen Bereich selbst durch die aufkommende Frauenbewegung der 1960er- und 1970er-Jahre kaum aufgebrochen wurde – und weit darüber hinaus fortbestand.

Unsere Aufarbeitung ihres Archivs beginnt mit dem Frühwerk Maria Zissers: ab 1940, als sie im Alter von 26 Jahren nach bestandener Meisterprüfung begann, für im Krieg produzierende Unternehmen in Wien zu fotografieren – bis zum Ende des NS-Regimes 1945. Maria Zisser war zu diesem Zeitpunkt 31 Jahre alt.

Der Titel der Ausstellung – „Der Leistungs-Wettstreit hat begonnen“ – zitiert einen Slogan, der in den Produktionshallen der Firma STEYR während der NS-Zeit neben zahlreichen weiteren „Motivationsbotschaften“ angebracht war.

Fotografien wie diese dokumentieren nicht nur das Regime der NS-Zeit, sondern auch ein System, in dem Arbeiterinnen und Arbeiter einer bis ins Detail ideologisierten Leistungskultur untergeordnet waren.

Im Rahmen ihrer Tätigkeit war Maria Zisser auch beauftragt, Porträts sämtlicher ArbeiterInnen anzufertigen – zur Verwendung in betrieblichen Akten und Verwaltungsunterlagen.

Diese Bildnisse bilden den Kern der vorliegenden Ausstellung. Im Archiv befinden sich mehrere tausend der Originalnegative dieser Porträts von ArbeiterInnen aus der NS-Zeit. Diese Fotos, die rein bürokratischen Zwecken dienten, gehen aber weit über das Funktionale hinaus: Die junge Fotografin schuf keine anonymen Aufnahmen, sondern Bildnisse, die ihre Haltung zur Fotografie und zu den Menschen, die sie abbildete, widerspiegeln.

Diese Serie bildet einen markanten Schnittpunkt: zwischen politischer Ideologie, den Lebensrealitäten jener Menschen, die – vielfach unter Zwang – für dieses System gearbeitet haben, und dem Blick einer jungen Frau am Anfang ihres fotografischen Weges.

Diese Ausstellung ist zugleich der Auftakt zu einer weiterführenden Auseinandersetzung. Die Industrie der NS-Zeit war in weiten Teilen nur durch die systematische Entmenschlichung und Zwangsarbeit möglich. Die Formen der Beschäftigung reichten von freiwilliger Lohnarbeit über sogenannte FremdarbeiterInnen, zwangsverpflichtete Arbeitskräfte, ZwangsarbeiterInnen bis hin zu KZ-Häftlingen. Zum jetzigen Zeitpunkt ist noch nicht eindeutig geklärt, in welchem Verhältnis die auf den Aufnahmen dokumentierten ArbeiterInnen zu Unternehmen und Regime standen. Die Erforschung dieser Fragen ist integraler Bestandteil der begleitenden Archivarbeit zur Ausstellung.

Das Fotostudio – Archiv und Aufarbeitung der Fotografin Maria Zisser wurde von ihrem Enkel, dem Wiener Künstler und Kurator Reinhold Zisser, initiiert. Die laufende Aufarbeitung und Digitalisierung erfolgt in Zusammenarbeit mit dem Fotografen Johannes Baudrexel. Zisser und Baudrexel sind beide Mitglieder des LLLLLL – Verein für Kunst der Gegenwart. Für das Archiv von Maria Zisser wurde ein neues Studio im Technologiezentrum 3 der Wirtschaftsagentur Wien in der Seestadt eingerichtet.

Wir laden Sie herzlich zur ersten Ausstellung im LLLLLL artist run space ein. Während der Ausstellungsdauer werden auf Anfrage Führungen durch die Ausstellung sowie durch das nur wenige Minuten entfernte Archiv angeboten.

→ 15.05.25 - 06.06.25
Christoph Srb Schlaflos gezeichnet, Ausstellung & Buchpräsentation

Von 2016 bis 2023 arbeitete der Künstler Christoph Srb als Wohnbetreuer in Wiener Notquartieren für obdachlose Menschen. Im Zuge dieser Tätigkeit entstanden die Notschlafstellentagebücher. Darin hatte Christoph Srb es sich zur Aufgabe gemacht, zu jedem seiner Dienste eine Zeichnung zu erstellen.

Das daraus entstandene Buch Schlaflos gezeichnet ist keine klassische Künstlerkatalog-Publikation, sondern eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Obdachlosigkeit, den gesellschaftlichen Verhältnissen, die Menschen in diese Situation bringen, sowie mit den eigenen Erfahrungen.

Nachdem das Buch Schlaflos gezeichnet kürzlich in der Wiener Secession präsentiert wurde, freuen wir uns, erstmals die der Publikation zugrunde liegenden Originalzeichnungen von Christoph Srb zeigen zu können.

Neben Einblicken in über 600 Originalzeichnungen aus den Notschlafstellentagebüchern besteht im Rahmen der Ausstellung auch die Möglichkeit, das Buch zu erwerben.

Christoph Srb studierte Malerei bei Johanna Kandl an der Universität für angewandte Kunst in Wien und ist Mitbegründer des LLLLLL artist run space.

Öffnungszeiten während des „Independent Space Index 2025 – Festival der unabhängigen Kunsträume in Wien“ am 30.05., 31.05. und 01.06., jeweils von 14 bis 18 Uhr sowie auf Anfrage.

→ 03.04.25 - 17.04.25
ERROR / FEHLER, Alpár Dóczy & Danylo Kovach

Error / Fehler zeigt Arbeiten des ungarischen Künstlers Alpár Dóczy und des ukrainischen Künstlers Danylo Kovach.

Beide Künslter beschäftigen sich in ihrer Ausstellung im LLLLLL artist run space mit dem Bruch zwischen Bild und Realität. Ausgehend von einem Verständnis, wie bereits von Gilles Deleuze in Das Zeit-Bild (L’Image-temps, 1985) vorgestellt, konzentrieren sich die beiden Künstler in ihren Arbeiten dieser Ausstellung auf das Regime der digitalen Bilder.

In Das Zeit-Bild beschreibt Deleuze das Konzept des “faux” (des Falschen) und stellt die Frage, wie Bilder es nicht nur schaffen, die Wahrheit wiederzugeben, sondern auch Fiktionen zu erzeugen, die eine eigene Realität haben. Dabei unterscheidet er zwischen zwei Formen des Falschen:

Das klassische Falsche (le faux classique): Betrug, Täuschung oder absichtliche Manipulation.
Das moderne Falsche (le faux moderne): Eine komplexere Form, in der verschiedene Zeitebenen, Perspektiven und Realitäten sich vermischen, sodass Wahrheit und Falschheit ununterscheidbar werden.

Danylo Kovach trifft aus persönlichen Beobachtungen und Reflexionen auf dieses Thema und beschreibt seine Arbeit für die Ausstellung ERROR folgendermaßen: "Desinformation in Kriegszeiten als wesentlicher ideologischer Bestandteil der modernen Kriegsführung. Die Verbreitung von Mythen in den Erzählungen einiger meiner Kollegen inspirierte mich dazu, eine Videoperformance zu erstellen, in der künstliche, plastische Blumen in die natürliche Landschaft eingreifen. Diese Performance ist ein Beispiel dafür, wie wichtig es für uns ist, zwischen realen Informationen und künstlichen Propagandamythen zu unterscheiden."

Ebenfalls in Das Zeit-Bild entwickelte Deleuze den Begriff der „kristallinen Bilder“, die eine Art Unschärfe zwischen Realität und Fiktion erzeugen. Das kristalline Bild ist nicht einfach eine Darstellung der Welt, sondern enthält sich selbst reflektierende Elemente, die es instabil machen. Dieses Verständnis findet sich in der Arbeit von Alpár Dóczy wieder. Ausgehend von seiner Auseinandersetzung mit der – wie er es nennt – „auf falschen oder unvollständigen Informationen aufgebauten Wirklichkeitsblase“, entwickelte er zwei Arbeitsserien:

"PIXEL – und was dahinter steckt"
"ERROR" (welches auch der Titel der Ausstellung ist).

Er geht in diesen Arbeiten vom Pixel als kleinste Einheit des digitalen Bildes aus. Er versteht diesen als Symbol für die Unendlichkeit digitaler Information, gleichzeitig aber auch als Zeichen für deren Mangel und Grenze, als Baustein ohne weitere Tiefe. In seinen grafischen Arbeiten verschränkt er digitale und analoge Druckverfahren und schafft so komplexe Bildwerke, die den Versuch darstellen, den unauflösbaren Konflikt zwischen Bild, Inhalt und Wahrheit sichtbar zu machen.

→ 17.02.25 - 26.01.25
IN OUR HANDS, Martina Trepczyk

Die Ausstellung IN OUR HANDS zeigt Fine-Art Fotografien aus der Unterwasserwelt. Die vielfältige und sinnliche Ausstellung drückt die Dualität zwischen der Zerbrechlichkeit unserer Ökosysteme und ihrer unglaublichen Widerstandsfähigkeit aus. Sie ist eine Hommage an unsere Ozeane und all die Lebewesen, die von ihnen abhängig sind. Der gewählte Titel verkörpert die Kernwerte der Künstlerin – Kunst und Aktivismus – und verleiht dem Thema eine mehrdimensionale Bedeutung: Die Richtung, in die wir uns bewegen, liegt buchstäblich in unseren eigenen Händen. Eine geheime Vorführung und Gespräche über die Ozeane erweitern die Ausstellung zu einem facettenreichen Event, das Herz und Verstand anspricht.

ÜBER DIE KÜNSTLERIN: Martina Trepczyk ist eine weltweit reisende und preisgekrönte Filmemacherin, Fotografin und Künstlerin. Sie fängt cineastische Geschichten über die Ozeane ein, um eine tiefere Verbindung zwischen den Betrachtern und der Umwelt zu schaffen. Ihre abstrakten Aufnahmen vereinen Politik und Poesie. Rohes Frausein, Verletzlichkeit und die Kraft ozeanischer Kreaturen sind ihre Muse. Als Aktivistin setzt sie sich für die Sprachlosen ein, was sie zu einer einzigartigen Künstlerin macht.

→ 24.08.24 - 08.12.24
SEE:UA connecting landscapes

Im Sommer 2024 wurde die Seestadt zu einem großen experimentellen Kunstlabor für eine Gemeinschaft von ukrainischen KünstlerInnen und ihren KollegInnen. Die eingeladenen AkteurInnen erfüllten zentrale künstlerische Positionen im Land Art Symposium Mohrytsia, einer der wichtigsten Land Art Plattformen in der Ukraine. 2022 wurde das Symposium aufgrund der russischen Invasion abgesagt und konnte auch 2024, da es nur fünf Kilometer von der russischen Grenze entfernt ist, nicht am ursprünglichen Standort stattfinden.